Bodas de sangre. Blood Wedding. Dirección Domingo Ferrandis

Por Domingo Ferrandis, director escénico. Directed by.

 

“To burn with desire and keep quiet about it is the greatest punishment we can bring on ourselves”

 

“Callar y quemarse es el castigo más grande que nos podemos echar encima”

 

“Oh, what folly! I don’t want bed or dinner with you,. but there’s no minute of the day I don’t want to be with you.”

 

¡Ay qué sinrazón! No quiero contigo cama ni cena y no hay un minuto del día que estar contigo no quisiera, porque me arrastras y voy, y me dices que me vuelva y te sigo por el aire como una brizna de hierba”. Federico García Lorca

 

 

Lorca se basó en un suceso real publicado en la prensa de la época, acaecido en el cortijo de los frailes en los campos de Nijar en la provincia de Almería. Una mujer, Paca la coja enamorada de su primo no quiere someterse a un matrimonio impuesto. La misma noche de boda se escapan… el drama estaba garantizado.

A play based on a real event, reported in the press at the time, that took place in a farmhouse in Nijar, in the province of Almería. A woman, Paca the lame, in love with her cousin, must submit to a forced marriage. On the wedding night, the lovers flee … the drama was guaranteed.

 

 

Bodas de sangre is a tragedy written in verse and prose by Lorca in 1931. It was premiered on March 8, 1933 at the Teatro Beatriz in Madrid by the Company of Josefina Díaz and Manuel Collado. In 1938 it was taken to the cinema by Edmundo Guibourg, carried out by the lorquiana muse Margarita Xirgu. In 1974 Spanish dancer and choreographer Antonio Gades premiered his version of Flamenco at the Teatro Olimpico in Rome. The character of the bride was interpreted by the flamenco dancer Cristina Hoyos. They repeat the cast in 1981 in the musical directed by Carlos Saura.

Bodas de sangre es una tragedia escrita en verso y en prosa por Lorca en el año 1931. Se estrenó en el 8 de marzo de 1933 en el Teatro Beatriz de Madrid por la Compañía de Josefina Díaz y Manuel Collado. En 1938 fue llevada al cine por Edmundo Guibourg, protagonizada por la musa lorquiana Margarita Xirgu. En 1974 El bailarín y coreógrafo español Antonio Gades estrena en el Teatro Olímpico de Roma su versión Flamenca. El personaje de la novia fue interpretado por la bailaora flamenca Cristina Hoyos. Repiten el elenco en 1981 en el musical cinematográfico dirigido por Carlos Saura.

 

 

@domingoferrandis

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Manos de mariposa. Dirección Domingo Ferrandis

Por Domingo Ferrandis, idea y dirección. Playwright by Domingo Ferrandis

 

Es el amor quien nos libera, nos hace fuerte. Nos emparejamos continuamente como cobijo del vientre materno. Todos necesitamos un refugio del mundo, un lugar conocido donde ser nosotrosIt is love that free us, makes us stronger. We unite each other continuously like shelters from a mother’s like shelters from a mother’s womb. We all need a refuge from this world, a known place to be ourselves.

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Hay manos que se enfrentan contra la injusticia y las que matan sin razón; las que crean y las que destruyen, las que acarician y las que matan. Las manos, nos convierten en seres extraordinarios o terribles: nosotros tenemos la opción”There are hands that fight against injustice and the ones that kill without reason; those that create and those that destroy, those that fondle and those that kill. Those hands, convert us into extraordinary or terrible beings; we have the option”

 

Theatrical work that narrates the vision of  feminicide, the disappearance of people, drug  trafficking and immigration in Mexico from the  eyes  of Marcos, a Mexican who has lived in the  United States since childhood.

A staging that talks about what happens on both  sides of the borders. Reflecting that what Mexico  suffers is not far from what happens in other parts of the world. The news of horror occurs without pause, at such a pace that they create immunity from the pain of others.

“Hands of Butterfly” questions human hypocrisy and the Butterfly effect: a small action in one part of the world affects the other.

This work faces two realities, the memory of a place with the personal journey of those who inhabit it. The plot deals with these two worlds that are continually affected; the macro: roots, society, culture, politics, activism. The micro: childhood, identity, relationships, fears, struggles. Starting from the idea that one world does not exist without the other, the work closes the two stories in the same story: the legend of a place and the personal biography.

Premiered in Paris and later in the United States (Houston, Austin, McAllen …), and Mexico. At 2018 Rice University in Houston, he invites Ferrandis to represent his work on his campus in relation to the Mee too concern and multiculturalism, awarding him the diploma of honor from Rice.

Butterfly hands definition:

Hands because they are capable of creating and destroying, of caressing and killing, we have the option. The monarch butterfly is known for the incredible massive migration that every winter makes from the United States to Mexico. They travel daily an approximate distance of 120 kilometers to reach Michoacán. This is the incredible epic of an insect that weighs less than a gram, but whose beauty and importance is the strength of wanting to achieve a dream: Mexico has  its own.

Obra teatral que narra la visión del feminicidio, la desaparición de personas, el narcotráfico y la inmigración en México desde los ojos de Marcos, un mexicano que vive en Estados Unidos desde su niñez.

Una puesta en escena que habla de lo que sucede a los dos lados de las fronteras. Reflejando que lo que sufre México, no está alejado de lo que ocurre en otras partes del mundo. Las noticias de horror se suceden sin pausa, a tal ritmo que crean inmunidad ante el dolor ajeno.

Manos de Mariposa” cuestiona la hipocresía humana y el efecto Mariposa: una pequeña acción en una parte del mundo afecta en la otra.

Esta obra enfrenta dos realidades, la memoria de un lugar con la travesía personal de quienes la habitan. La trama trata sobre estos dos mundos que se afectan continuamente; el macro: raíces, sociedad, cultura, política, activismo. El micro: infancia, identidad, relaciones, miedos, luchas. A partir de la idea de que un mundo no existe sin el otro, la obra anilla en una misma historia los dos relatos: la leyenda de un lugar y la biografía personal.

Estrenada en París y posteriormente en Estados Unidos (Houston, Austin, McAllen…), y México. En 2018 Rice University de Houston, le invita a Ferrandis a representar su obra en su campus en relación a la preocupación Mee too y la multiculturalidad, otorgándole el diploma de honor de Rice.

Manos de mariposa definición:

Manos porque son capaces de crear y destruir, de acariciar y matar, nosotros tenemos la opción. La mariposa monarca es conocida por la increíble migración masiva que cada invierno hace desde Estados Unidos a México. Recorren diariamente una distancia aproximada de 120 kilómetros para llegar a Michoacán. Esta es la increíble epopeya de un insecto que pesa menos de un gramo, pero cuya belleza e importancia es la fuerza de querer alcanzar un sueño: México tiene el suyo.

 

Synopsis

The play Manos de Mariposa presents a fresh perspective on traditionally controversial topics such as immigration, excessive greed and the mistreatment of others. From a hopeful perspective, empathy; the capacity to understand the suffering of others, a society full of sobs, saying, “it is enough!” to both hate and pain.

The play speaks of compassion as our greatest given good; the tuning of love between humans as a defence for our species on the verge of self-destr

Sinopsis

La obra de teatro Manos de Mariposa presenta una fresca perspectiva a temas tradicionalmente controvertidos como es la inmigración, la codicia desmedida o el maltrato a otras personas desde una óptica esperanzadora, la empatía; la capacidad de comprender el sufrimiento ajeno, de una sociedad harta, que dice ¡basta ya! a tanto odio y dolor.

La obra muestra a la compasión como nuestro mayor bien dado: la sintonía del amor entre humanos como defensa por nuestra especie, al borde de la autodestrucción.

 

Poster for the Village Violet Festival.

City: París, France.

Cartel para el Festival Village Violet.

Ciudad: París, Francia.

 

 

Poster for the theatre: Talento Bilingüe de Houston (TBH).

City; Houston. U.S

Cartel para el teatro: Talento Bilingüe Houston (TBH).

Ciudad: Houston. Estados Unidos.

 

 

Poster for the Theater Emma Barrientos.

City: Austin, U.S

Cartel para el teatro Emma Barrientos.

Ciudad: Austin, Estados Unidos.

 

 

Poster for the Museo ¨Casa de la Memoria Indómita¨.

City: Ciudad de México, México.

Cartel para el Museo “Casa de la Memoria Indómita”

Ciudad: Ciudad de México, México.

 

Poster for Feipol Festival.

City: McAllen. U.S

Cartel para Feipol Festival.

Ciudad: McAllen. Estados Unidos.

 

 

Poster for Rice University

Houston. U.S

Cartel para Rice University.

Houston.. Estados Unidos.

 

@domingoferrandis

Pedro y el Capitán. Dirección Domingo Ferrandis

Por Domingo Ferrandis, versión libre y dirreción.

Benedetti, uno de los escritores más prolíferos en las letras hispanas, se benefició de su riqueza literaria y de la profundidad de sus reflexiones en Pedro y el Capitán para detallar con precisión un retrato social crítico, de índole ético, ácido y polémico con tintes de humor negro. Un relato eco de la angustia y la esperanza basado en el interrogatorio entre las fuerzas del orden y los detenidos que luchan contra la dictadura en Uruguay. Con tanta astucia lo hizo Benedetti, que a cada página leída descubres algo impactante, tanto, que te sacude la conciencia sobre eso que llamamos humanidad.

Escrita en 1979 Pedro y el Capitán fue concebida inicialmente como novela, pero finalmente significó el afortunado reencuentro del escritor uruguayo con el teatro. Como dice el propio Benedetti en el prólogo:

El tema de Pedro y el Capitán lo pensé inicialmente como una novela, e incluso le había puesto título: El cepo”. ”Va a ser una larga conversación entre un torturador y un torturado, en la que la tortura no estará presente como tal, aunque sí como la gran sombra que pesa sobre el diálogo”. “La obra no es el enfrentamiento de un monstruo y un santo, sino de dos hombres, dos seres de carne y hueso, ambos con zonas de vulnerabilidad y de resistencia.”

Nuestra propuesta teatral, no se centra en un contexto histórico concreto para no condicionar la opinión natural del público. En toda la obra hemos desprovisto a los dos personajes Pedro y Capitán de lugar, ideología, religión y época para mostrarlos sin etiquetas. El único signo referencial es Capitán, ese detalle puede darle ventaja sobre Pedro en la aceptación de las torturas al ser una violencia estructural basada en la obediencia debida. O tal vez todo lo contrario, se prejuicie su rango social. Queremos que sea una decisión personal de cada espectador.

Hemos encontrado en la novela teatral Pedro y el Capitán la trama perfecta para mostrar la condición humana. Un perro es un perro, una vaca es una vaca, pero una persona es la bestia más inclasificable, un hidra con muchas cabezas pensantes (miedos, deseos, codicias, prejuicios, egoísmos, odios…) capaz de autoaniquilarse, aniquilar las otras especies y destruir el planeta en el que vive. Una bestia con una mente oscilante con una inclinación a lo irracional, capaz de crear y de destruir, de acariciar y de matar. Tal vez esa sea la razón por la cual el amor, el sufrimiento y la muerte nos haga iguales: de células y emociones.

A través de la relación entre una persona torturada y su torturadora, queremos poner en escena lo que somos frente a frente: quiebres psicológicos, estados emocionales y mentales revelados en dos seres cuyos intereses son contradictorios, uno la resistencia y el otro la obtención de información. No es una obra de teatro sobre “buenos o malos” sino sobre nuestra complejidad.

Pedro y el Capitán lleva al público por un viaje por lo picos y cañones sentimentales, donde se topará con diferentes escenario plagados de interrogantes sobre nosotros mismos ¿En qué momento el trabajo se transforma en crueldad? ¿Dónde está la línea entra obediencia y sadismo? ¿En qué momento desaparece la empatía? ¿Cuándo sufrir torturas es más ético que hablar? ¿Hasta dónde puede aguantar una persona denigrada, vejada, despojada de cualquier dignidad? ¿Dónde la resistencia se vuelve el único sentido de vida? Son tantas las incógnitas y dudas que encontrará el espectador en su caminar como compleja es nuestra mente. Eso convierte a la obra de Benedetti en un espejo el cual refleja nuestras virtudes y miserias.

Pedro y el Capitán llegarán a conciliar sus ideas, a compartir sus pensares, sus afectos y sentires hasta convertirlos en semejantes, dejando al descubierto nuestras fronteras invisibles ¿La degradación humana existe? cómo un ser “normal” se convierte en un monstruo ¿Y a la inversa, es posible?

El experimento de la Cárcel de Stanford de la universidad del mismo nombre, tuvo que ser suspendido porque los alumnos con el rol de carceleros comenzaron a torturar con saña a los alumnos con rol de reos. En la realidad la violencia engendrada, abusos y torturas son muy frecuentes, como los cometidos por el ejército de Estados Unidos en la prisión iraquí de Abu Ghraib. El famoso caso de la soldada Lynndie England donde su foto apuntando los genitales de un prisionero iraquí desnudo, con un cigarrillo en la mano y una amplia sonrisa dio la vuelta al mundo y se hizo viral en Internet.

El experimento de Milgram consistía en dar descargar eléctricas a un “alumno” cada vez que fallaba una pregunta. Estás descargas iban en aumento hasta que el dolor era insoportable, casi hasta la muerte. La persona que las sufría era un actor, pero quien apretaba el botón “examinador” de las descargas no lo sabía. Solo tenía que cumplir órdenes del “investigador”. Cada vez que erraba la pregunta el “alumno’, el “examinador”, recibía la orden de apretar el botón. Todos los examinadores eran voluntarios y eran libres de irse cuando quisieran. De 100 solo se fueron 2; todos los demás se excusaron que cumplían órdenes.

Los expertos en el cerebro humano dicen que no son las guerras lo que sacan lo peor de nosotros, si no que hay menos juicios de valores. La mente primitiva se activa y sin una ética es más fácil robar, violar y matar sin tener mala conciencia por ello: sobre todo si te han persuadido para obedecer y odiar al de enfrente. Si hemos creado la educación, leyes, armas y fronteras es porque a quien más tememos es a nosotros mismos.

Y a pesar de todo, líderes políticos, grandes potencias y fuertes empresas presumen de su antipatía. Como sociedad inteligente algo marcha mal, la mente colectiva en vez de cultivar otros sentimientos como la bondad, también inherente en nuestra psique, seguimos sembrando el miedo y el odio ya sea de carácter deportivo, étnico, político o espiritual. Rivalidad y división que alimentan la aversión, la enemistad y la repulsión entre iguales: la especie humana. Pedro y el Capitán habla de todo ello.

@domingoferrandis

Romancero gitano. Gypsy Ballads. Dirección Domingo Ferrandis

Por Domingo Ferrandis, directo escénico. Directed by. 

 

The moon came to the forge
In her bustle of spikenards white
The boy he looks and stares
The boy keeps her in his sight
Federico García Lorca

 

La luna vino a la fragua
con su polisón de nardos.
El niño la mira mira.
El niño la está mirando.
Federico García Lorca

 

 

 

 

Lorca was a musician and lover of flamenco. He and his teacher, the composer Manuel de Falla, composed the scores of gypsy songs and the popular music of their community.

Lorca and Fallas met in the Silla del Moro a small nazari castle from the 13th century, which protected the Alhambra from Granada. A hill with privileged views of the gypsy neighborhood of Sacromonte with the protagonist’s Moon.

Lorca era músico y amante del flamenco. Junto a su maestro el compositor Manuel de Falla, escribieron la partitura del cante de los gitanos y las canciones populares del pueblo.

Lorca y Fallas se reunían en la Silla del Moro un pequeño castillo nazarí del siglo XIII, que protegía la Alhambra de Granada. Un cerro con vistas privilegiadas al Barrio gitano del Sacromonte con la Luna de protagonista.

 

 

Gypsy Ballads is a poetic work by Federico García Lorca, published in 1928. It is composed of eighteen romances with themes such as night, death, the sky, the moon. All the poems have something in common, they deal with the gypsy culture.

El Romancero gitano es una obra poética de Federico García Lorca, publicada en 1928. Está compuesta por dieciocho romances con temas como la noche, la muerte, el cielo, la luna. Todos los poemas tienen algo en común, tratan de la cultura gitana.

 

 

 

 

 

 

 

POETA EN NUEVA YORK DIRECCIÓN DOMINGO FERRANDIS

Por Domingo Ferrandis, director escénico. Directed by.

 

 

 

 

 

 

García Lorca, Buñuel and Dalí lived life as a game. The three coincided in the Student Residence in Madrid. Dalí arrived at the Residence in 1922 and was 18 years old, Luis Buñuel and Federico García Lorca, who were already living there, fell in love with that peculiar figure. From that moment, between them two established a deaf competition to snatch each other that dam. Thus arose this relationship of love and rivalry between a poet, a filmmaker and a painter. The same thing that united them separated them: art, creativity and passion for the flesh. In a turbid way, they became entangled and unraveled, until the Civil War undid the triangle and real surrealism.

García Lorca, Buñuel y Dalí vivieron la vida como un juego. Los tres coincidieron en la Residencia de estudiantes de Madrid. Dalí llegó a la Residencia en 1922 tenía 18 años, Luis Buñuel y Federico García Lorca que ya vivían allí, quedaron enamorados de esa figura tan peculiar. A partir de ese momento, entre ellos dos se estableció una competición sorda para arrebatarse mutuamente aquella presa. Así surgió esta relación de amor y rivalidad entre un poeta, un cineasta y un pintor Lo mismo que los unía los separaba: el arte la creatividad y la pasión por la carne. De forma turbia se enredaban y desenredaban, hasta que la Guerra Civil deshizo el triángulo y el surrealismo real.


Dalí, Lorca and Buñuel

 

Surrealism begins in 1924 in Paris with the publication of the “Surrealist Manifesto” by André Breton. Surrealism is born of pure automatism, that is, any form of expression in which the mind does not exercise any kind of control. Manifestation of the consciousness embodied by means of abstract or figurative symbolic forms, the images of the deepest reality of the human being, the subconscious and the world of dreams. Some surrealistic resources: animation of the inanimate, isolation of anatomical fragments, incongruous elements, metamorphoses, fantastic machines, relations between nudes and machinery, evocation of chaos, representation of automatons, spasms and emptyperspectives. The hidden and forbidden thought will be a source of inspiration, in eroticism they will discover dream realities, and sex will be treated in an indecent manner.

El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del “Manifiesto Surrealista” de André Breton.  El surrealismo nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Manifestación de la consciencia plasmada por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas, las imágenes de la realidad má profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Algunos recursos surrealistas: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

 By García Lorca 1929

 

Federico García Lorca writes Poet in New York is between 1929 and 1930 during his stay at Columbia University (New York city), as well as on his next trip to Cuba, and published for the first time in 1940, four years after the death of the poet.

García Lorca left Spain in 1929 to give lectures in Cuba and New York. Even so, the reason for the trip was perhaps a pretext to change of airs and to flee from the environment that surrounded him and that oppressed him: due to a sentimental failure and the inner dilemma that he felt for his sexuality. Lorca suffered a deep depression at that time.

Three moments interrupt Lorca’s life at the same time: his personal crisis (his break with the sculptor Emilio Aladrén); the literary change (due to his disappointment at the equivocal success of Romancero gitano); and an aesthetic change (due to the emergence of Surrealism). These three factors together with the sentimental shock with the city of New York are the drivers of the book of poems “Poet in New York”.

Lorca lived in the city of New York from June 25, 1929 to March 4, 1930, then leaving for Cuba, where he lived for a period of three months.

Lorca was deeply affected by American society, and from the beginning of his stay he felt a deep aversion towards capitalism and the industrialization of modern society, while repudiating the treatment given to the black minority. Poet in New York was for Lorca a cry of horror, of denunciation against injustice and discrimination, against the dehumanization of modern society and the alienation of the human being, while claiming a new human dimension where freedom and justice predominated, love and beauty.

Federico García Lorca escribe Poeta en Nueva York entre 1929 y 1930 durante su estancia en la Universidad de Columbia (Nueva York), así como en su siguiente viaje a Cuba, y publicado por primera vez en 1940, cuatro años después de la muerte del poeta.

García Lorca dejó España en 1929 para impartir unas conferencias en Cuba y Nueva York. Aun así, el motivo del viaje fue quizá un pretexto para cambiar de aires y huir del ambiente que le rodeaba y que le oprimía: debido a un fracaso sentimental y al dilema interior que sentía por su sexualidad. Lorca padeció en esa época una profunda depresión.

Tres momentos interrumpen en la vida de Lorca al mismo tiempo: su crisis personal (su ruptura con el escultor Emilio Aladrén); el cambio literario (por su decepción ante el éxito equívoco de Romancero gitano); y un cambio estético (por la irrupción del Surrealismo). Estos tres factores junto con el choque sentimental con la urbe de New York son los impulsores del libro de poemas “Poeta en Nueva York”.

Lorca Vivió en Nueva York del 25 de junio de 1929 al 4 de marzo de 1930, partiendo entonces hacia Cuba, donde residió por un espacio de tres meses.​

A Lorca le impactó profundamente la sociedad norteamericana, y sintió desde el inicio de su estancia una profunda aversión hacia el capitalismo y la industrialización de la sociedad moderna, al tiempo que repudiaba el trato dispensado a la minoría negra. Poeta en Nueva York fue para Lorca un grito de horror, de denuncia contra la injusticia y la discriminación, contra la deshumanización de la sociedad moderna y la alienación del ser humano, al tiempo que reclamaba una nueva dimensión humana donde predominase la libertad y la justicia, el amor y la belleza.

By Federico García Lorca. New York 1929th   

                                                                                                                                                                                                                                 

 

Federico García Lorca writes Poet in New York is between 1929 and 1930 during his stay at Columbia University (New York city), as well as on his next trip to Cuba, and published for the first time in 1940, four years after the death of the poet.

García Lorca left Spain in 1929 to give lectures in Cuba and New York. Even so, the reason for the trip was perhaps a pretext to change of airs and to flee from the environment that surrounded him and that oppressed him: due to a sentimental failure and the inner dilemma that he felt for his sexuality. Lorca suffered a deep depression at that time.

Three moments interrupt Lorca’s life at the same time: his personal crisis (his break with the sculptor Emilio Aladrén); the literary change (due to his disappointment at the equivocal success of Romancero gitano); and an aesthetic change (due to the emergence of Surrealism). These three factors together with the sentimental shock with the city of New York are the drivers of the book of poems “Poet in New York”.

Lorca lived in the city of New York from June 25, 1929 to March 4, 1930, then leaving for Cuba, where he lived for a period of three months.

Lorca was deeply affected by American society, and from the beginning of his stay he felt a deep aversion towards capitalism and the industrialization of modern society, while repudiating the treatment given to the black minority. Poet in New York was for Lorca a cry of horror, of denunciation against injustice and discrimination, against the dehumanization of modern society and the alienation of the human being, while claiming a new human dimension where freedom and justice predominated, love and beauty.

Federico García Lorca escribe Poeta en Nueva York entre 1929 y 1930 durante su estancia en la Universidad de Columbia (Nueva York), así como en su siguiente viaje a Cuba, y publicado por primera vez en 1940, cuatro años después de la muerte del poeta.

García Lorca dejó España en 1929 para impartir unas conferencias en Cuba y Nueva York. Aun así, el motivo del viaje fue quizá un pretexto para cambiar de aires y huir del ambiente que le rodeaba y que le oprimía: debido a un fracaso sentimental y al dilema interior que sentía por su sexualidad. Lorca padeció en esa época una profunda depresión.

Tres momentos interrumpen en la vida de Lorca al mismo tiempo: su crisis personal (su ruptura con el escultor Emilio Aladrén); el cambio literario (por su decepción ante el éxito equívoco de Romancero gitano); y un cambio estético (por la irrupción del Surrealismo). Estos tres factores junto con el choque sentimental con la urbe de New York son los impulsores del libro de poemas “Poeta en Nueva York”.

Lorca Vivió en Nueva York del 25 de junio de 1929 al 4 de marzo de 1930, partiendo entonces hacia Cuba, donde residió por un espacio de tres meses.​

A Lorca le impactó profundamente la sociedad norteamericana, y sintió desde el inicio de su estancia una profunda aversión hacia el capitalismo y la industrialización de la sociedad moderna, al tiempo que repudiaba el trato dispensado a la minoría negra. Poeta en Nueva York fue para Lorca un grito de horror, de denuncia contra la injusticia y la discriminación, contra la deshumanización de la sociedad moderna y la alienación del ser humano, al tiempo que reclamaba una nueva dimensión humana donde predominase la libertad y la justicia, el amor y la belleza.

 

 

 

 

 

Lorca summarized his personal and lyrical vision of the modern metropolis as a hostile and destructive space for human and natural values: “Extrahuman architecture and furious rhythm, geometry and anguish. However, there is no joy, despite the pace. Human and machine live the slavery of the moment. The edges rise to heaven without the will of cloud or glory. Nothing more poetic and terrible than the struggle of the skyscrapers with the sky that covers them “.

The city that devours us, a negative view of the city not far from the cinema and literature of the time. The movie Metropolis by Fritz Lang or the novel Manhattan Transfer by John. Different views same negative view, the same as we observe in Poet in New York. A city that destroys human values.

Surrealism under the influence of Lorca’s metaphors served Lorca to detail with mastery what his eyes saw and his mind suffered. Let’s read some verses.

Poem: Dance of death

“I was on the terrace struggling with the moon. Swarms of windows riddled with bullets a thigh of night. The sweet cows of the heavens drank from my eyes. And the breeze of long oars struck the cindered windows of Broadway. “

Poem: City That Does Not Sleep (Nocturnal of the Brooklyn Bridge)

“we will watch the preserved butterflies rise from the dead and still walking through a country of gray sponges and silent boats we will watch our ring flash and roses spring from our tongue.

Let there be a landscape of open eyes and bitter wounds on fire.

No one is sleeping. But if someone grows too much moss on his temples during the night, open the stage trapdoors so he can see in the moonlight the lying goblets, and the poison, and the skull of the theaters.

Poem: Landscape of a Vomiting Multitude

“I, poet without arms, lost in the vomiting multitude,”

Lorca resumió su visión personal y lírica de la metrópoli moderna como espacio hostil y destructor de los valores humanos y naturales: “Arquitectura extrahumana y ritmo furioso, geometría y angustia. Sin embargo, no hay alegría, pese al ritmo. Humano y máquina viven la esclavitud del momento. Las aristas suben al cielo sin voluntad de nube ni de gloria. Nada más poético y terrible que la lucha de los rascacielos con el cielo que los cubre”.

La Ciudad que nos devora, una visión negativa de la ciudad no alejada del cine y la literatura de la época. La película Metrópolis de Fritz Lang o la novela Manhattan Transfer de John. Diferentes miradas misma visión negativa, la misma que observamos en Poeta en Nueva York. Una ciudad que destroza los valores humanos.

El surrealismo bajo la influencia de las metáforas lorquianas sirvieron a Lorca para detallar con maestría aquello que sus ojos veían y su mente sufría. Leamos algunos versos.

Poema: Danza de la muerte

“La terraza luchando con la luna. Enjambres de ventanas acribillan un muslo de la noche (…) Y las brisas de largos remos golpeaban los cristales de Broadway”

Poema: Ciudad sin sueño (Nocturno del Brooklyn Bridge)

“Veremos la resurrección de las mariposas disecadas y aún andando por un paisaje de esponjas grises y barcos mudos veremos brillar nuestro anillo y manar rosas de nuestra lengua.

Hay un panorama de ojos abiertos y amargas llagas encendidas.

No duerme nadie por el mundo. Nadie, nadie. Ya lo he dicho. No duerme nadie.

Pero si alguien tiene por la noche exceso de musgo en las sienes, abrid los escotillones para que vea bajo la luna las copas falsas, el veneno y la calavera de los teatros”.

Poema: Paisaje de la multitud que vomita

“Yo, poeta sin brazos, perdido entre la multitud que vomita”

 

 

 

 

 

 

 

 

The illusion and amazement of the first months soon became disenchantment and loneliness, because what Lorca finds is nothing more than a dehumanized, cold and mechanical city, which awakens in him rage, pain and a deep sadness. Trepidating and agonizing rhythm of that city where progress (machines) and dehumanization (slavery) go hand in hand. New York is, in the eyes of the poet, a capitalist empire that undermines human dignity:

“I wanted to make the poem of the black race in North America and emphasize the pain that blacks have of being black in a contrary world, slaves of all the inventions of the white man.” Lorca

One of the figures that captivated Lorca in New York was a mulatto novelist, Nella Larsen, one of the main members of the Harlem Renaissance. A movement that wants to reflect the mixture of American and African culture of its streets through jazz, music and painting. The connection between Lorca and Nella Larsen was instantly, she became his main guide to Lorca through black neighborhoods, cabarets, jazz venues and literary circles. In one of his letters Lorca will tell Nella to his parents:

“This writer is an exquisite woman, full of kindness and with that melancholy of the blacks, so deep and so moving. He gave a meeting and only blacks attended. It is already the second time that I go with her, because she interests me enormously. In the last meeting there was no more white than me “[…]” The blacks are a great people. When I said goodbye to them, they all embraced me and the writer gave me her books with vivid dedications, which they considered a great honor because this lady did not get used to doing it with any of them. ” Federico García Lorca

La ilusión y el asombro de los primeros meses se convirtieron pronto en desencanto y soledad, pues lo que Lorca encuentra no es más que una urbe deshumanizada, fría y mecánica, que despierta en él rabia, dolor y una profunda tristeza. Ritmo trepidante y angustioso el de esa ciudad donde el progreso (las máquinas) y la deshumanización (la esclavitud) se dan la mano. Nueva York es, a los ojos del poeta, un imperio capitalista que atenta contra la dignidad del hombre:

«Yo quería hacer el poema de la raza negra en Norteamérica y subrayar el dolor que tienen los negros de ser negros en un mundo contrario, esclavos de todos los inventos del hombre blanco». Lorca

Una de las figuras que cautivó a Lorca en Nueva York fue a novelista mulata Nella Larsen una de las principales integrantes del Renacimiento de Harlem. Un movimiento que quiere reflejar la mezcla de cultura americana y africana de sus calles a través del jazz, la música y la pintura. La conexión entre Lorca y Nella Larsen fue al instante, ella se convirtió en su principal guía de Lorca por los barrios negros, cabarets, locales de Jazz y círculos literarios. En una de sus cartas Lorca dirá Nella a sus padres:

“Esta escritora es una mujer exquisita, llena de bondad y con esa melancolía de los negros, tan profunda y tan conmovedora. Dio una reunión y asistieron sólo negros. Ya es la segunda vez que voy con ella, porque me interesa enormemente. En la última reunión no había más blanco que yo” […] “Los negros son una gente buenísima. Al despedirme de ellos me abrazaron todos y la escritora me regaló sus libros con vivas dedicatorias, cosa que ellos consideraron como un gran honor por no acostumbrar esta señora a hacerlo con ninguno de ellos”. Federico García Lorca

 

 

 

 

Poster for the Match Theater

City: Houston. U.S

Cartel para Match Theater 

Ciudad: Houston, Estados Unidos.

@domingoferrandis

Funambulista del tiempo. Funambulist of time

Danza, teatro, poesía, pintura y música en vivo

Idea y dirección Domingo Ferrandis

 

 

Tan lejos, tan lejos, tan fuera de mi. Tan yo aún.. 
… -Ya no me miras, ni te miro-

 

        Sinopsis

Funambulista del tiempo es una obra de teatro global en la que se entrelazan desde la ternura y el miedo hasta la alegría y el amor, a través de distintas disciplinas artísticas (la pintura, el canto, la música, la danza y la danza aérea, la poesía y el teatro).

 

 

Un todo repleto de emociones que nos enzarza en nuestras propias historias, en ocasiones de forma simbólica; como el trapecio, que le mece en su pasado, o las telas donde se cobija para volver a renacer; y en otras, de forma explícita; a través de versos y seres grotescos que aparecen y desaparecen entre las bailarinas que conforman los pensamientos de nuestra protagonista. Versos, seres y danza que se intercalan con la música conduciendo irremediablemente al interior de Emma a un mundo que se desarrolla a través del baile de sus sensaciones, dejando siempre una ventana abierta a la esperanza.

 

 

Una historia que se apoya escénicamente de lo grotesco-fantástico y de lo grotesco-cómico. El punto de partida que une la pintura, los poemas y Emma son los monstruos, seres fantásticos que se crean y desarrollan en espacios inaccesibles a la realidad, en este caso en su conciencia (en los recuerdos que los alimenta), representados por pensamientos y las imágenes pictóricas de María Balibrea. En pocas palabras, la fantasía para contar la realidad.

 

 

Los recursos y figuras escénicas tienen vinculación con las representaciones pictórica de lo grotesco, alegorías como son los híbridos humano-pájaro, el bestiario de las arañas, el imaginario por medio de las telas aéreas, el trapecio y el aro, la deformidad con telas que desfigura los rasgos de la cara en donde se proyectan personajes pictóricos con partes desproporcionadas o exageradas, lo grotesco-cómico a través de la danza de máscaras, las sombras, con teatro de la luz, la marginación por medio del desdoblamiento, etcétera. Imágenes donde el monstruo es un hecho social o de una degradación moral. No es un híbrido en un sentido físico, sino en un aspecto moral.

 

 

La fealdad a modo de contra-norma que se muestra como sociedad, o sea la contra-sociedad. Monstruos y seres marginales para representar la marginalidad silenciosa de Emma. Una marginalidad impuesta, el encarcelamiento en ella misma, que la oculta o mejor, la separa del mundo.

 

 

 

Funambulist of time

Dance, theater, Poetry and live music

 

 

      Synopsis in English

Funambulist of time is a global play in which are intertwined from tenderness and fear to joy and love, through different artistic disciplines (painting, singing, music, dance and aerial dance, Poetry and theater).

 

               

A whole full of emotions that enmeshes us in our own stories, sometimes in a symbolic way; Like the trapeze, that rocks him in his past, or the fabrics where he is blanket to be reborn; And in others, explicitly; Through verses and grotesque beings that appear and disappear among the dancers that make up the thoughts of our protagonist. Verses, beings and dance that are intercalated with the music leading irremediably to the interior of Emma to a world that develops through the dance of its sensations, always leaving a window open to the hope.

 

A story that relies scenarically on the grotesque-fantastic and the grotesque-comic. The starting point that unites painting, poems and Emma are monsters, fantastic beings that are created and developed in spaces inaccessible to reality, in this case in their consciousness (in the memories that feed them), represented by thoughts and The pictorial images of María Balibrea. In short, the fantasy to tell reality.

 

 

The resources and scenic figures are linked to the pictorial representations of the grotesque, allegories such as the human-bird hybrids, the bestiary of the spiders, the imaginary by means of the aerial fabrics, the trapezoid and the hoop, the deformity with fabrics that Disfigures the features of the face in which pictorial characters are projected with disproportionate or exaggerated parts, the grotesque-comic through the dance of masks, shadows, with theater of light, marginalization by means of the unfolding, etcetera. Images where the monster is a social fact or a moral degradation. It is not a hybrid in a physical sense, but in a moral aspect.

 

 

Ugliness as a counter-standard that shows itself as a society, or the counter-society. Monsters and marginal beings to represent the silent marginalization of Emma. An imposed marginalization, imprisonment in itself, which conceals it or better, separates it from the world.

 


De Izquierda a derecha:
Gloria Aleza, María Balibrea, Domingo Ferrandis, Raúl Alenxandre, Francisco Javier Muñoz, Raquel Revert, Araceli López, Arantxa Blasco, Daniel Benedito (Odisseu de Laertes).

 

@domingoferrandis